La música electrónica desde sus orígenes hasta la actualidad

Hacemos un recorrido por la historia de la música electrónica y como creció hasta lo que es en la actualidad.

La música electrónica es hoy en día de las más escuchadas y aclamadas a lo largo del mundo entero, pero si nos queremos adentrar en sus orígenes nos tenemos que remontar al siglo pasado. La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello.

Origen

Para entender el comienzo de la música electrónica tenemos que repasar la evolución de como se capta el sonido. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Este instrumento podía grabar sonidos visualmente, pero no reproducirlos de nuevo.​ Thomas A. Edison, en el año 1878,  patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott.

Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1889. Por otra parte, otro invento significativo que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la válvula audión, del tipo triodo, creada por Lee DeForest. Esta viene a ser primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio y la computación electrónica, algo fundamental en la electrónica a lo largo de los años.

Aunque Scott patentó el fonoautógrafo, primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido y quizá al que le debemos el surgimiento de este género musical, es el Theremin el que se considera como el primer instrumento electrónico. Originalmente conocido como eterófono, thereminófono, termenvox o thereminvox, este aparato es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos que se controlan sin necesidad de contacto físico del intérprete. Su nombre deriva de la versión occidentalizada del nombre de su inventor ruso Léon Theremin (Термен), que lo desarrolló en 1920 y lo patentó en 1928.

El instrumento está formado por dos antenas metálicas que detectan la posición relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra. Las señales eléctricas del theremin se amplifican y se envían a un altavoz.

Música Electrónica
Instrumento Theremin

El diseño clásico se compone de una caja con dos antenas. Uno puede producir sonido acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La derecha suele ser recta y vertical, y sirve para poder controlar el tono o frecuencia: cuanto más cerca de ella esté la mano derecha, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle. Sirve para controlar el nivel de volumen, que será más bajo cuanto más cerca esté de la mano izquierda Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violonchelo y una voz humana ya que su inventor era violonchelista.

Justo un año después de la invención de la válvula audión de tipo triodo, el compositor y músico italiano Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música,​ que demostraba sobre el uso tanto de fuentes electrónicas como de otro estilo en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, que fueron posibles gracias al telearmonio de Cahill. ​

Así mismo, en el recorrido de la creación de la música electrónica, sucedía en Italia el futurismo, un movimiento de las corrientes de vanguardia artística fundado por Filippo Tommaso Marinetti. Está se acercaba a la estética musical desde una filosofía futurista era la de valorar el «ruido», así como de dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados como musicales.

En 1913 el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto «El arte de los ruidos». En 1914 organizó el primer concierto del «arte de los ruidos» en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como «instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos.​

Además del theremín, influyente instrumento que tuvo gran influencia en la producción musical y cinematográfica debido a su utilización como banda sonora en películas de ciencia ficción y terror de los años 1950, otro de los instrumentos precursores de la música electrónica fue el Ondas Martenot. Inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París,​ está formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia cuyo sonido se produce mediante un anillo metálico que el intérprete se ha de colocar en el dedo índice de su mano derecha.

En el año 1935, Laurens Hammond fundó una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos junto a John M. Hanert. Juntos fabricaron por primera vez el icónico Órgano Hammond,​ basado en los principios del telarmonio, junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.​

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Órgano Hammond

Evolución de la música electrónica

Gracias a la creación de estos diferentes aparatos capaces de captar sonido de una manera revolucionaria, permitió que muchos mas artistas y técnicos empezaran a hacer música con estos.

Ya desde los años 50, en diversos centros de investigación se experimentaba para crear nuevos sonidos a partir de sintetizadores u otros dispositivos que ejercieran un efecto similar a los dispositivos mencionados anteriormente. A partir de los años 60, como mencionamos anteriormente, muchos músicos comenzaron a incorporar la electrónica en sus producciones, pero no definían lo que hacían como “música electrónica”, como por ejemplo, artistas como The Beatles o The Beach Boys que introdujeron elementos electrónicos en su música.

El impacto de los computadores continuó incrementando durante la decada de los´50. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología del vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.

Continuando con la década de los ´60, podemos decir, que estos fueron años muy importantes para la música electrónica, no solo para el mundo académico sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador se volvía más accesible. El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla, en 1963, siendo producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.

Se continuó desarrollando nuevos instrumentos, donde uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. La empresa Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, convirtiéndose en un clasico de la musica electronica y en general. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum «Switched-On Bach», de Wendy Carlos.

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Sintetizador Moog

También surgió en esta década la música por ordenador. CSIRAC, el primer computador en reproducir música, el CSIRAC fue creado en el año 1951 y además de ser presentado públicamente para una demostración.​ Fue una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music.

La historia de la música electrónica de la década de los 70 se vio marcada por la aparición de artistas como Kraftwerk y Jean –Michel Jarre, fundamentales en la popularización de la música electrónica. Fue el momento en el que finalmente surgieron canciones realizadas por completo con instrumentos electrónicos y computadoras y los sonidos electrónicos fueron tomando protagonismo. Artistas históricos como David Bowie, Cluster, Vangelis, Brian Eno, Harmonia 76 y Pink Floyd comenzaron a utilizar sintetizadores en su música durante los 70.

Bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras que The Residents creaban sus propias cajas de ritmos. 

En la década de los 80, el sintetizador fue sin duda el protagonista en la evolución de la música electrónica. El house, el techno y el electro surgieron en esta decada, por ende fue una época marcada también por el synthpop, un subgénero que fusionó el pop con la electrónica y que fue precursor del electro, cuyos mayores exponentes fueron New Order, The Human League, Depeche Mode y Pet Shop Boys.

En 1980, fue el surgimiento de los instrumentos MIDI. Un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través de diferentes instrumentos que pudieran comunicarse entre ellos y con el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface).

La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un microordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Fue en 1979, que la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7, el cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia (síntesis FM), probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años 1960.

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Sintetizador Yamaha DX7

Para finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Por eso para entender el auge de la música electrónica en la década de los ´90 y como esta paso a ser mas exclusivamente Dance Music, tenemos que nombrar la movida sonora que venia sucediendo años antes.

Primero con el Dance Rock que venia de la mano de muchas bandas históricas como  New Order, Prince, Blondie, Daryl Hall. Aunque no es Dance Music tal cual, esta evolución de la música disco y de la New wave apareció con ritmos más marcados gracias a la aparición de nuevas cajas de ritmos más potentes. Esta escena también produjo muchos cruces, incluyendo a Kraftwerk consiguiendo audiencias de R&B con su disco de 1981 Computer World, que allanó el camino para Afrika Bambaataa, «Planet Rock», y electro en general.

Por otro lado apareció el Dance pop y el freestyle, que estaban compuestos también por influencias electrónicas del Post-disco. El dance pop con un ritmo o beat fuerte y una estructura sencilla, más similar a la canción pop, con un énfasis en las melodías y en los estribillos pegadizos, se inició primeramente en EE. UU. con Michael Jackson y Madonna y posteriormente en Europa.

En Italia esta evolución comenzó paulatinamente desde el italo disco y fue evolucionando en la segunda mitad de la década de 1980 con Spagna y Sabrina entre otros y en Centroeuropa con Modern Talking y C.C. Catch siendo denominado en ocasiones como Eurobeat.

En EE. UU., paralelamente al desarrollo del dance pop apareció el Freestyle, una fusión principalmente de Electro-funk, post-disco, y hip hop con artistas como Shannon, Exposé o Information Society, entre otros.

Comenzada la década de 1990 ambos estilos empezaron a ser fuertemente influenciados por el House y el Techno creándose una cultura ya diferenciada del concepto dance. Algunos artistas mainstream del momento, como Madonna, comenzaron a realizar versiones remix de algunos de sus temas, más orientados al Dance, iniciando de esta manera la en el mainstream de la música electrónica de baile a nivel mundial. Artistas europeos como Technotronic, KLF, Twenty 4 Seven y Snap ya estaban en lo más alto en Europa con el Euro house de sonidos más sintéticos y bailables y voces rapeadas.

En Italia con una evolución particular del Italo disco fusionado con el house aparece el Italo house con artistas como 49ers o Capella y posteriormente Double You con su «Please don’t go», que asentó la moda de hacer covers a ritmo dance de grandes éxitos pop y rock de las décadas anteriores. En 1991 de la fusión del italo house con elementos hi-NRG comienza a formarse el popular Eurodance con el tema de la cantante Rozzalla, «Everybody’s free», icono de esta música.

Paralelamente, gracias a la evolución dance heredada del Dance Pop, aparecieron artistas como Depeche Mode, Pet Shop Boys o New Order, que ofrecían sonidos mas evolucionados creando de esta manera el synthpop. Si queríamos encontrar artistas de synthpop mas dirigidos a las pistas de baile podíamos escuchar artistas como OBK, Cetu Javu, Beat Cairo, Viceversa o Ray.

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Rave en los años 90

A mediados de la década de 1990, la música Dance comercial llegó a la cima, siendo muy popular en varios países de Europa, gracias a un boom comercial de ventas del género gracias a la difusión masiva en radios y clubes nocturnos por parte de los DJs, que en muchos casos eran también productores de algunas de las bandas de moda. Durante este tiempo los productores fueron incluyendo paulatinamente sonidos Trance menos electro y más envolventes que dio paso al Pizzicato y al Euro-Trance en los años subsiguientes.

Este sonido reemplazo paulatinamente al eurodance, influenciado al principio por el Dream-Trance de Robert Miles (Children 1995). Era caracterizado por tener sonidos hipnóticos con repeticiones de acordes, el uso de samples de pizzicatos del cual obtiene su nombre, el bajo en contrapunto con el bombo, mayor tendencia a los temas instrumentales o de escaso componente vocal reduciéndose a samples de palabras o frases cortas, las secciones rapeadas prácticamente desaparecieron y la velocidad baja a 130-135 bpm. 

El Eurodance adquirió elementos del trance para sus producciones. Tomando los efectos de reververación y tonos más épicos de las voces con momentos de parones y subidones del tema heredados del progressive house consiguió un moderado éxito. Artistas reconvertidos del EuroDance como Taleesa, otros nuevos como Milk Inc. o Silver comenzaron a despuntar.

Dejando un poco atrás el boom de los ´90, el cambio de siglo trajo consigo ciertos cambios como era de esperarse tanto en la música electrónica como en la industria. Esto generó desaparición del entorno comercial de la música dance y eurodance, a raíz de la disolución durante la última etapa del 2002 de numerosos grupos que marcaron la tendencia durante los últimos años de la década de los 1990 y primeros años del nuevo siglo. La música Dance y Eurodance subsistieron alejadas del público general fuera de sus países de origen, salvo excepciones, ocupando su lugar en el entorno comercial durante la etapa 2003-2008 por géneros como el hip hop o el reggaeton.

Sin embargo, esta ultima década pudimos notar un resurgimiento de la música electrónica con una búsqueda mas profunda y no tan comercial como se acentuó en década del 2000. El surgimiento de artistas nuevos viene acompañado de la profunda búsqueda de traer de vuelta el sonido mas analógico que tanto identifico la música dance de los 90, con sus famosas cajas de ritmo y sintetizadores.

Esto también viene acompañada por el amor y la cultura de los vinilos ya que muchos Djs nuevos apuestan por invertir en vinilos a la hora de pasar su música y además en las propias producciones de estos nuevos artistas se puede apreciar la búsqueda de sonidos mas relacionados con la estética analógica que tanto identifico a la de cada de los ´90.

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Dj pasando música con vinilos

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