5 películas que deberías ver de la década del 2010

Repasamos una lista donde recomendamos 5 películas que hayan sido influyentes para el publico desde el 2010 a 2019.

Nos adentramos en repasar cinco películas que salieron dentro de la década del 2010 y que con el tiempo se fueron colocando como apartados cinematográficos de gran prestigio y que la gente valoró y valora mucho.

Drive (2011)

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Drive

Drive es una de esas películas que sin decir mucho dice todo. Solo con la fotografía y el montaje de la cinta podemos entender que es lo que quiso transmitir el director y como. Dramática y de suspense neo-noir fue estrenada el 16 de septiembre de 2011 en Estados Unidos, es protagonizada por Ryan Gosling y Carey Mulligan, dirigida por Nicolas Winding Refn y basada en un libro de título homónimo escrito por James Sallis en el año 2005. Nicolas Winding Refn ganó como mejor director en el Festival de Cine de Cannes, Francia, en 2011, gracias a la pelicular. ​ Al final de los créditos se indica que la película es un tributo a Alejandro Jodorowsky, mentor y amigo de Nicolas.

Drive es una película que representa una mezcla súper estilizada de imágenes impactantes y violencia, puramente una película de acción de arte y ensayo. El argumento de la película se centra en un «conductor» sin nombre (Ryan Gosling), que sin duda sus habilidades al volante son evidentes y trabaja en el garaje de Shannon (Bryan Cranston), en la ciudad de Los Ángeles. El conductor sin nombre, ocasionalmente realiza trabajos como especialista en escenas de riesgo en producciones de cine o como conductor de huida en peligrosas misiones nocturnas. Él tiene unas reglas que siempre mantiene y son que trabaja de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona.

Siendo un hombre solitario por naturaleza no puede evitar enamorarse de su vecina Irene (Carey Mulligan), una vulnerable joven madre que se ve arrastrada a un peligroso mundo debido a la salida de prisión de su marido Standard (Oscar Isaac). Después de un robo con el que pretende pagar la protección de Standard, suceden una serie de giros impredecibles y el Conductor no cobra por su trabajo.

Sin previo aviso, se ve conduciendo para salvar a la mujer que ama y perseguido muy de cerca por dos peligrosos criminales, Nino (Ron Perlman) y Bernie Rose (Albert Brooks). Cuando se da cuenta de que los criminales no solo van por la bolsa de dinero sino que van directamente por Irene y su hijo, el Conductor se ve obligado a cambiar de dirección y enfrentarse a ellos.

Sin duda una película para ver y apreciar su apartado visual, tanto como su banda sonora que recorre canciones underground de los 80, 90´y 00´, mayoritariamente dentro del mundo del synthwave. La banda sonora de la película fue compuesta por Cliff Martínez y es predominantemente electrónica con reminiscencias retro de los 80. Refn escogió a Martínez después de ver su trabajo en la película Sexo, mentiras y cintas de video. El editor Matt Newman sugirió la utilización de la canción de los créditos iniciales «Nightcall», del músico electrónico Kavinsky, una de las canciones más representativas de la película.

Drive, como película, inspiró a la creación de un juego independiente llamada «Hotline Miami». Éste juego toma la estética y varias cosas de la pelicular sin hacer una copia tal cual, solo una inspiración. Hotline Miami comparte esa violencia cruda y diálogos contemplativos con Drive, incluso el personaje del juego no tiene nombre, tal como el conductor en la película, y se lo conoce por el nombre «Jacket».

Interstellar (2014)

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Interstellar

Ambientada en un futuro próximo, la película Interstellar plantea el inevitable final de la Tierra. Nuestro planeta se esta muriendo y mientras unos se preocupan por el presente, otros miran hacia el futuro. Por una razón misteriosa que será revelada a nosotros más adelante, Cooper (Matthew McConaughey) llega hasta una base secreta donde la NASA busca un nuevo hogar para la especie humana. Los humanos están enfrentando el comienzo del fin y están desesperados y necesitan de Cooper, por ende este acepta la misión. Por otro lado esta la hija de Cooper, y el le promete que volverá sin saber todo el camino que le espera.

Interstellar, también conocida como Interestelar en Hispanoamérica, es una película épica de drama y ciencia ficción. Está dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine y Matt Damon. Como ya nombramos, esta ambientada en un futuro distópico donde la humanidad está luchando por sobrevivir y cuenta la historia de un grupo de astronautas que viajan a través de un agujero de gusano cerca de Saturno en busca de un nuevo hogar para la humanidad.

Los hermanos Christopher y Jonathan Nolan escribieron el guion, que tuvo su origen en un borrador que Jonathan desarrolló en 2007. Christopher Nolan produjo la película junto a su esposa Emma Thomas mediante su compañía productora Syncopy, y con Lynda Obst a través de Lynda Obst Productions. El físico teórico Kip Thorne, cuyo trabajo inspiró la película, fue productor ejecutivo y participó como consultor científico. Warner Bros., Paramount Pictures y Legendary Pictures fueron las empresas que cofinanciaron la película.

Interstellar se estrenó el 26 de octubre de 2014 en Los Ángeles. En América del Norte se lanzó en película fotográfica, expandiendo su disponibilidad a otros lugares usando proyectores digitales. En los Premios de la Academia de 2014, la película ganó el Óscar a los mejores efectos visuales, y fue nominada por mejor banda sonora, mejor sonido y mejor diseño de producción. Recibió también varios premios y nominaciones, en particular por sus efectos visuales, fotografía, banda sonora y la actuación de Mackenzie Foy.

Interstellar no deja de ser simplemente la historia de un padre que está dispuesto a hacer todo lo que esté en su mano para asegurar la supervivencia de sus hijos. Todo eso se amplifica a la propia humanidad como resultado de su propio planteamiento en un muy estimulante futuro parcialmente postacapolíptico.

Uno de los grandes aliados de Nolan para llegar a tocar la fibra sensible del espectador es la banda sonora de Hans Zimmer, ya que hay momentos concretos en los que su utilización resulta atronadora -puedo decir sin miedo a que lo consideréis una exageración que la sala en la que estaba vibraba en ciertas escenas-, pero también se te mete dentro. Yo al menos pocas veces recuerdo que la música de una película hiciera que me tuviera ganar de revolverme en la butaca, pero soy consciente de que habrá quien pueda verlo como un simple e innecesario exceso que según la calidad del sonido del cine quizá hasta cause problemas para entender correctamente los diálogos.

Mad Max: Fury Road (2015)

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Mad Max: Fury Road

Mad Max: Fury Road, conocida en Hispanoamérica como Mad Max: Furia en la carretera, es una película de origen australiano dirigida, producida y coescrita por George Miller, y protagonizada por Tom Hardy junto a Charlize Theron. Fue estrenada el 14 de mayo de 2015, la película ambientada en un futuro postapocalíptico es la cuarta en la saga de Mad Max. Fue nominada a diez Premios Óscar en la 88.ª entrega del 2016, siendo la primera película de Mad Max que es nominada a estos premios, y fue la más premiada de ese año con seis estatuillas.

Tan aplastante es el protagonismo de las persecuciones, que el resto de la cinta queda casi obliterado y/o subyugado a lo que éstas ponen en juego. El esqueleto de las dos horas de duración no es más que una enorme persecución de ida, un nudo que se hace interminable y que poco o nada aporta al devenir de la trama y una enorme persecución de vuelta.

Mad Max: Fury Road va directa al grano, consciente de que el espectador conoce el universo de Mad Max, ésta vez en la piel de un Tom Hardy visceral y parco en palabras, controlando cada uno de sus gestos, con los que rinde un sutil homenaje al Max de Gibson, recogiendo el testigo con respeto y contundencia a partes iguales. También es otra prueba más, al igual que en ‘Locke’ (id, Steven Knight, 2013), de lo bien que modula la voz el actor. Las pocas frases que recita impresionan tanto como las explosiones de la acción más adrenalítica, y perfectamente coreografiada, vista en años.

Varias set pieces, todas con un sentido del ritmo interno impecable, unen esta furiosa entrega que, adaptándose a los nuevos tiempos en el género, esconde varios homenajes a la saga, como nostálgico ejercicio, pero sin quedarse atrás. Miller efectúa una salvajada con la que se demuestra, una vez más, que en arte la forma es el fondo. Un crescendo dramático sin parangón, y sin demasiado subrayados, nos lleva hacia una viaje emocional, el de Max y sus “protegidas”, que consiste en encontrar la esperanza en un mundo post-apocalítpico que no dista demasiado del actual, alegoría que debe ser aún más salvaje, a ver si el mensaje impacta en nuestra adormilada cara, y mente, para que seamos testigos del cambio.

Al igual que en las dos anteriores entregas, el personaje central se encuentra con un grupo de personas en su vagar por un planeta desolado y lleno de muerte. Siendo en un principio reticente a ayudarles –sabe que el mundo no tiene arreglo− terminará haciéndolo aun poniendo su propia vida al borde del peligro. Ecos del romanticismo del western, con ese personaje solitario, a lo Shane o tantos otros, que los que se lo han encontrado recordarán en historias contadas a la luz del fuego en años venideros. Maravillosa metáfora sobre el héroe que todos llevamos dentro –Max perdiéndose entre la multitud al final− y está loco, nunca mejor dicho, por salir.

Al lado de un perfecto Hardy, brilla a gran altura Charlize Theron, tanto que en ciertos instantes le roba planos a Hardy. Imperator Furiosa es todo una declaración de principios dentro del género de acción, un personaje del que estarían orgullosas Sarah Connor y Ripley –de 1979 es el primer Mad Max, y James Cameron tiene dicho film como una de sus principales referencias−, la guardiana del futuro de la humanidad, roto por un breve instante en una de las muertes más sentidas, y en fuera de campo, del film, punto de inflexión, que parece milimétricamente pensado en todo un engranaje que funciona con la precisión de un reloj suizo.

Mad Max es una lección de cine, y la misma realiza un juego de regeneración dentro del propio arte que funciona a diferentes niveles. No sólo recupera a uno de los mitos cinematográficos por excelencia de los ochenta, lo ajusta a las nuevas formas, y tiempos cambiantes, para abofetear sin compasión a la ameba que es hoy día el espectador.

Por otro lado, la sangrienta ironía final, la de recuperar la esperanza a partir del orden reestablecido, acabando con la tiranía más cruel, aquí representada en el simple H2O, es toda una declaración de intenciones por parte de un cineasta que conoce perfectamente el lenguaje del cine, un arte destinada, como las demás, a ser la herencia del ser humano, a hablar de él. Y de paso provocarnos un orgasmo que no olvidaremos en mucho tiempo.

La La Land (2016)

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La La Land

La La Land es una película dramática y musical estadounidense de 2016, escrita y dirigida por Damien Chazelle, y protagonizada por Emma Stone y Ryan Gosling, una aspirante a actriz y un pianista de jazz que se conocen y enamoran en Los Ángeles, California. Fue estrenada en Estados Unidos el 9 de diciembre de 2016 por Summit Entertainment, y es una versión moderna de los musicales hollywoodienses.

El reparto de la película también incluye a J. K. Simmons, Finn Wittrock, John Legend y Rosemarie DeWitt. Tuvo su premier mundial en la 73.ª edición del Festival de Venecia, que se llevó a cabo del 31 de agosto al 10 de septiembre de 2016. Ha sido elogiada por el público y la crítica siendo nominada a varios premios destacando los Globo de oro donde ganó las 7 categorías a las que estaba nominada, convirtiéndola en la película más premiada de la historia de los Globo de Oro.

También, la película fue nominada a 14 premios Óscar, convirtiéndose en la película con más candidaturas al Óscar junto con Titanic y All About Eve, en los 89º Premios Óscar, alzándose finalmente con los de mejor director (Chazelle), mejor diseño de producción, mejor cinematografía, mejor canción original, mejor banda sonora y mejor actriz (Stone). Durante la ceremonia, se la anunció erróneamente como la ganadora del Óscar a mejor película, pero a los pocos segundos se conoció un error por parte de los presentadores. Finalmente, la ganadora fue Moonlight.

El joven director es muy consciente de que a estas alturas no puede inventar nada nuevo en un arte que lleva más de un siglo mostrando sus herramientas cambiando con cada nuevo paso; y mucho menos cuando mucho de lo realizado anteriormente cuenta exactamente lo mismo y mucho mejor, tal vez por eso llena el film de infinidad de referencias bien visibles. Su operación es muy similar a la realizada cinco años antes con The Artist, el cine silente, y tal vez le pase lo mismo que aquélla, que envejezca rápidamente, pero sólo por establecer un diálogo entre lo viejo y lo nuevo, Chazelle merece un aplauso mayor.

Que la historia de chico conoce chica está más que vista, ya lo sabemos todos, pero es innegable la excelente química entre Ryan Gosling y Emma Stone. A él le llega con su mirada triste y su pose física para definir todo su personaje, un soñador tan apasionado como derrotado. Ella sencillamente brilla, semeja una de esas estrellas de la canción central, teniendo más lugar para el lucimiento, caso del momento de la audición con la actriz sosteniendo por completo el plano.

No se puede negar la enorme efectividad del director a la hora de planificar o mover la cámara —el plano secuencia del inicio, con todos sus trucajes, es un claro ejemplo—; tampoco el saber construir un relato destinado a la audiencia actual, con elementos narrativos totalmente clásicos, dotando algunas secuencias de una belleza extrema, y un crescendo dramático, si acaso forzado en su vital punto de inflexión, pero que concluye por todo lo alto con una sabia mezcla de música e imagen.

Spider-Man: Into The Spiderverse (2018)

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Spider-Man: Into The Spiderverse

Spider-Man puede ser, hoy por hoy, el héroe más famoso de Marvel (por eso, paradójicamente, no está en la escudería fílmica de la compañía: siempre ha tenido pretendientes para adaptar sus aventuras entre otras productoras), pero ese tema siempre va a ser una cuestión aparte. Es un héroe que se mueve por sus propias reglas y cuyas aventuras, en las que el humor y lo cotidiano no desentonan nunca porque son parte misma de su ADN, van por libre.

Un poco de esa refrescante sensación de estar ante un personaje en un compartimento aparte se percibe en Spider-Man: Un nuevo universo, una película absolutamente ajena en tono y estética al resto de las películas de Marvel, por supuesto muy diferente de las de DC, pero también alternativa a las adaptaciones de Spider-Man vistas hasta ahora. Adaptaciones que aunque con mayor o menor grado de éxito captaban detalles del argumento eterno del personaje (la muerte del tío Ben y la picadura de la araña que no falte), de la estética (por supuesto el traje y los poderes, replicados siempre fielmente) y la atmósfera neoyorkina habitual, no dejaban nunca de ser películas de superhéroes.

Spider-Man: un nuevo universo, o como su título original en inglés: Spider-Man: Into the Spider-Verse, es una película de 2018, dirigida por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman y escrita por Phil Lord y Rothman. La cinta es una adaptación de la línea de cómics Spider-Verse y cuenta con las voces de Shameik Moore como Miles Morales/Spider-Man y Liev Schreiber como el villano Kingpin. Fue producida por Sony Pictures Animation en asociación con Marvel Entertainment, y fue estrenada por Columbia Pictures el 14 de diciembre de 2018. Cuenta con la colaboración de Post Malone y Swae Lee en su canción «Sunflower» que corresponde a la banda sonora de la película.​

Ese algo es la locura, la imprudencia, el amor por el riesgo que lleva implícito todo buen cómic. El dinamismo, el colorido, la imaginación, la posibilidad de fragmentar una página en treinta viñetas y luego abofetear al lector con una splash page, de saturarlo de onomatopeyas y diálogos y luego que se sucedan una treintena de páginas mudas. Jugar con los formatos, con la misma idea de que el lector tiene que voltear una página cada dos hojas, generando un cliffhanger físico cada pocos segundos. Es decir, entender que el cómic tiene su propio lenguaje, sus propias dinámicas igual que el cine tiene sus travellings, sus arcos narrativos, sus fundidos, sus créditos (y sus post-créditos).

Todo eso lo entiende a la perfección Spider-Man: Un nuevo universo y lo exprime con una aventura que hace literalmente todo lo que necesita hacer, sin cortarse un pelo, para pasmar al espectador y mantenerlo al borde del asiento durante dos horas que se pasan en un suspiro.

Cartuchos de texto para los pensamientos, parodias de los orígenes secretos de los héroes (esos flashbacks de cada Spider-Man, cada uno con su textura), utilizar al héroe arácnido más sombrío para hacer chistes imposibles sobre daltonismo, planificar, montar y sonorizar peleas y secuencias de acción como literalmente nunca se había hecho antes porque no tenemos nada que perder. Todos los trucos de la chistera de la acción superheroica, vengan o no a cuento, se despliegan en ‘Un nuevo universo’.

‘Spider-Man: Un nuevo universo’ es una película extremadamente sutil en sus resortes dramáticos internos. En realidad, lo que resulta tosco es tener que encontrar móviles tan tópicos y vacuos como la venganza, el honor, el patriotismo o las promesas post-mortem para justificar un comportamiento heroico o malvado. En ‘Un nuevo universo’ nos creemos los comportamientos honestos y generosos de los héroes… simplemente porque se nos describen con sencillez y naturalidad, a base de escenas que les dibujan como gente honesta y generosa de forma creíble.

Miles Morales no necesita un estribillo sobre grandes poderes y grandes responsabilidades justificandoa golpe de manidas convenciones todo lo que hace: sencillamente, es buen chico. Es un héroe, y lo vemos en sus momentos cotidianos y en sus momentos heroicos. El de ‘Spider-Man: Un nuevo universo’ podrá ser estridente, frenético y cortante, pero también es un guión de una fuerza y una sutilidad pasmosas. Junto a Rodney Rothman, también codirector, el guionista Phil Lord corrobora defitivamente, que es un autor a tener muy en cuenta.

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